Figuritas de la Música Argentina es una publicación de distribución gratuita pensada para las escuelas que cuenta con textos explicativos sobre los diversos estilos musicales de nuestro país y 400 figuritas con más de 1200 dibujos sobre grandes artistas musicales de todos los tiempos.

El lunes 11 de abril el Instituto Nacional de la Música (INAMU) presentó la publicación Figuritas de la Música Argentina, un álbum de distribución gratuita para coleccionar 400 figuritas. El mismo cuenta con más de 1200 dibujos sobre grandes artistas musicales de todos los tiempos y un sitio web para descargarlo en formato pdf. Del evento participaron León Gieco, Litto Nebbia, Moris, Marcela Morello, David Lebón, Victor Heredia, Hilda Lizarazu, Bernardo Baraj, Susy Shock, Boom Boom Kid, María Garay, Lito Vitale, Celsa Mel Gowland, Charo Bogarín, Mavi Diaz, Bruno Arias, Isabel De Sebastián, Yamila Cafrune, Eduardo Balan (El Culebrón Timbal) y Gabriela Martínez Campos, compañera de Horacio Fontova, entre otros.

Los dibujos fueron realizados por Jorge de los Ríos, extraordinario caricaturista que fue autor de las tapas de revistas argentinas como Anteojito, Canal TV, Petete y Trapito, con la colaboración de Daniel Diebold, Fabián de los Ríos y Santiago Dufour y el aporte de jóvenes talentos como Nicolás Sanabria, Juan Manuel Gordillo y Fabián Zaccaría. La idea y dirección del proyecto estuvo a cargo de Diego Boris (presidente del INAMU); Roy Stahli en la coordinación general y textos; Hernán Vargas hizo el diseño y la diagramación; Pali Muñoz realizó el arte de tapa y María Claudia Lamacchia la edición y corrección.

Jorge de los Ríos y Litto Nebbia

Respecto del proyecto, Diego Boris comentó: “La idea es poder proponerle al sistema educativo una forma divertida y también contraponerle, al gran estímulo de pantallas que compiten todo el tiempo por la atención de nuestros adolescentes, algo físico, algo lúdico y que busque recuperar ese impulso de juego, de intercambio de figuritas y poder tener todo eso unido al conocimiento de nuestros estilos musicales. Para que este material se pueda utilizar en las escuelas y así los profesores puedan tener herramientas para que nuestros alumnos puedan conocer, 11 estilos musicales que se desarrollan en nuestro país”. Por su parte, Litto Nebbia declaró: “Este trabajo une a las generaciones, tanto por lo que implica la figurita, el álbum, como por los artistas”.

Hilda Lizarazu sostuvo sobre este lanzamiento que es “un gran orgullo, muy emocionante, gracias por convertirnos en figuritas y que podamos seguir jugando”.

Por su parte, León Gieco afirmó que "las figuritas son una cosa perfecta y popular para llegar a los chicos y que conozcan a los artistas y sepan de la cultura que tiene nuestro país. Para mí la invención más importante que tuvimos en los últimos años fue el INAMU, un equipo que trabaja coherentemente".

Víctor Heredia señaló: “Que lindo que se sigan disparando sueños, esto que está proponiendo el INAMU tiene que ver con la posibilidad de que un niño tenga este álbum, estas figuritas, estos músicos y músicas entrañables que la han dado a la cultura popular argentina todo su talento”.

Yamila Cafrune expresó: “Muchas gracias, todo esto sirve para que el folclore cambie y decir que en vez de folclore tenemos identidad, muchísimas gracias porque todo esto hace a la identidad nacional”.

Para Moris “es fabuloso que estemos juntos y que empujemos nuestra música, no en contra de nadie sino a favor nuestro".

Fotos: Laura Tenenbaum para INAMU

En una primera etapa el proyecto contará con mil ejemplares para ser entregados a los ministerios y secretarías de Cultura de todas las provincias, y en las siguientes etapas se agregarán más artistas musicales y se firmarán más convenios para que el álbum llegue a todas las escuelas del país. El propósito principal de este proyecto es generar herramientas para que el sistema educativo provincial y nacional acerque a sus estudiantes a referentes de nuestra música de los distintos géneros y sus diferentes épocas. Parte fundamental de esta misión, incluyó el desafío de desarrollar la tarea de divulgación de manera que resulte novedosa para jóvenes que han nacido en la era digital utilizando la caricatura como forma de comunicación.

Hace un par de años, gentileza de la BBC, es que ya podemos ver completo un nuevo documental de las leyendas del punk británico The Clash, llamado New Year’s Day ’77, que abarca el show que la banda realizó en el Roxy de Londres -y como bien su nombre lo dice-, en 1977, el 1 de enero de ese año, sin duda uno de los años más importantes de su carrera, cuando recién  estaban empezando .

La película tiene imágenes inéditas que el director y documentalista esencial de los años de gloria del punk Julien Temple filmó de los primeros días de la banda, y también se intenta situar en lo que estaba sucediendo en Inglaterra en esos años con otras bandas de total importancia como los Sex Pistols y el comienzo de toda la movida contestataria en Reino Unido, entre otras cosas.

Las grabaciones nos muestran a la banda simplemente pasando el rato juntos y están intercaladas con muestras de la programación ridículamente simplista de la BBC que se emitió en la víspera de Año Nuevo ¡Con la personificación de Bruce Lee de Mick Jones y un cameo de Johnny Rotten!

Te lo dejamos completo y en buena calidad en este enlace 

Un día 29 de noviembre del año 2001 uno de los artistas más importantes del siglo pasado dejó de existir y nosotros nos damos la libertad y el gusto de recordar a este gran guitarrista y compositor de notables canciones junto a The Beatles. Fue el miembro de la banda que logró desmarcarse de la sombra que tuvo de dos compositores monstruosamente talentosos como John Lennon y Paul Mc Cartney. Es más, lo hizo con talento, elegancia y nutriéndose de influencias orientales que lograron imprimir a The Beatles un sello muy distintivo por sobre las bandas del género. Además también destacamos grandes pasos de su impecable carrera de solista y  aprovechamos de mostrarte algunos proyectos en los cuales ha participado.

Partamos por The Beatles y una tremenda canción que se considera la mejor de su factura junto a los cuatro fabulosos de Liverpool: ‘While my Guitar Gently Weeps’, pero acá la presentación en su concierto de homenaje en noviembre del 2002, cuando cumplió 1 año de fallecido. Como se puede ver los invitados están de lujo: Eric Clapton, Paul McCartney, Jeff Lyne, Ringo Starr y hasta su hijo Dhani Harrison (quien es prácticamente calcado a su papá) entre otros:

Otra gran canción que compuso para The Beatles fue ‘I me Mine’, que fue incluida en su disco Let It Be y que acá suena en escenas de la película del mismo nombre. Un período en que las relaciones estaban bastante tensas en la agrupación británica. Sin ir más allá en este mismo film hay una seria diferencia de opiniones entre Paul McCartney y Harrison.

En 1971 Harrison junto a otros músicos destacados organizan el mítico Concert for Bangladesh, el cual se realizó en favor de los refugiados en Pakistán. En ese período Harrison acababa de dejar a The Beatles y era un momento en que cada beatle emprendía su carrera como solista. Lo que hizo Harrison fue bastante ambicioso: lanzó el primer disco triple de la historia sorprendiendo a sus colegas y al mundo entero en realidad. De ese disco acá va su presentación en este gran concierto con su  ya clásico  ‘My Sweet Lord’:

Bien sabido es que The Beatles fueron pioneros en realizar la promoción de sus canciones mediante lo que todos conocemos como videoclip. En esta oportunidad y bajo esta composición hermosísima de George Harrison editaron este romántico videoclip donde cada beatle aparece con su pareja. Harrison en ese tiempo con Pattie Boyd, Paul con Linda, Ringo con Maureen Cox y ya desde hace poco en ese entonces John Lennon con Yoko Ono. Una entrega audiovisual que llega a poner la carne de gallina, tanto por la nostalgia de verlos en esa época como por su buena realización, hay unos primeros planos tan notables que es imposible no emocionarse. Esto se llama ‘Something’:

A finales de los ’80 George Harrison participó de una superbanda compuesta por verdaderos íconos del rock clásico, es el caso de Traveling Wilburys donde compartió con Bob Dylan, Roy Orbison, Tom Petty y Jeff Lyne, este último de la Electric Light Orchestra. La banda lanzó dos discos pero el triste fallecimiento de Orbison y la difícil tarea de reemplazarlo truncó los planes de seguir adelante. De su primer disco este fue el video para el sencillo ‘Handle With Care’:

En 1991 convencido por su amigo Eric Clapton (sí, amigos pese al robo de chica y todo) emprendió una gira que terminó por ser una nueva producción en vivo, la cual no realizaba desde 1971, es decir 20 años atrás,  que fue desde el Concert for Bangladesh. Aquí interpretando el tema ‘Cloud Nine’ de su disco del mismo nombre de 1987.

Bonus tracks:

Quisimos incluir dos bonus tracks en este especial. El primero más que nada se trata de la herencia física que dejó Harrison: su hijo Dhani, quien se parece a un nivel impresionante a su padre, de hecho la anécdota cuenta que para el Concert for George Mc Cartney dijo: “Olivia me dijo que, con Dhani en el escenario, parece que George se mantuvo joven mientras el resto envejecimos.” Dhani  ya está siguiendo los mismos pasos de su padre. Por si no la conocen les presentamos la banda que tiene junto a Ben Harper y Joseph Arthur, llamada Fistful of Mercy. Justamente este tema titulado ‘Father’s Son’ de su único álbum hasta el momento titulado As I Call You Down:

El otro se trata de un video de The Beatles en sus inicos, que si bien realizan la comparación , el parecido de joven de George con su hijo Dhani es mucho más notorio. Esto es de la época de la beatlemanía y se llama ‘Roll Over Beethoven’, original de Chuck berry y una de las pocas que interpretó Harrison en su etapa inicial junto a los Fab Four.

El líder espiritual y guitarrista de la banda de Liverpool falleció en 2001, una muerte que de alguna manera se venía anunciando. Ya en 1997 su cáncer a la garganta se había detectado, aunque a punta de tratamientos intensivos y de radiaciones se suponía había desparecido. Pero al parecer la muerte se empecinaba en rondar al talentoso guitarrista, quien en diciembre de 1999, es víctima de un atentado en su propia mansión donde se encontraba mejorando. Aunque el atentado fue frustrado gracias a su propia defensa y la de su esposa, que lograron reducir a este tal Michael Abram, de 33 años, quien era natural de Liverpool, que escapaba recurrentemente de una clínica psiquiátrica y que tenía una obsesión con The Beatles. Curiosamente casi 19 años después del atentado a su ex-compañero de banda John Lennon. Más tarde el cáncer reapareció pero pese a todos los esfuerzos esta vez no hubo terapia que lo venciera.

Seguramente hay muchas razones para recordar todo su legado. Su conexión con lo espiritual, su amistad con Ravi Shankar y esa inyección de meditación trascendental que puso en The Beatles. Quizá llegó en un momento justo, cuando The Beatles estaba teniendo serios problemas para asumir la fama y donde necesitaba un cambio. Quizá fue él o las drogas, ambas cosas ayudaron, la reunión con Bob Dylan, tal vez. La incursión con la sitar llegó en el disco Rubber Soul en 1965. Pero este cambio de perspectiva musical ni el mismo Harrison o Lennon dimensionaron lo importante que iba a ser para la música rock de aquí en adelante.

Un músico de los que merecen ser homenajeados. El director de cine Martin Scorsese le dedicó un film el cual nos aporta muchos detalles acerca de su vida. Un hombre tranquilo que a través de su búsqueda del misticismo siempre quiso encontrar la paz y regalarla a sus hermanos a través de su música, esa paz que muchos buscamos y la cual George merecida y felizmente encontró para siempre.

Meg White debe ser la más improbable estrella de rock, pero igualmente tiene un espacio más que ganado en este ciclo dedicado a las Heroínas. De naturaleza tímida, tranquila y sin formación musical, se dio el lujo de ganar cuatro Grammys y formar la mitad de una de las mejores bandas de rock alternativo de la que tengamos memoria: The White Stripes.

Todas las miradas siempre se concentraron en la versatilidad y calidad de Jack, pero tras ese éxito y reconocimiento a un virtuoso, se escondía el sonido de una batería pura, simple, no retorcida y que era resultado de un olfato nacido para hacer de lo simple algo eterno. Ya no estaba para la técnica ni para la elaboración, y se valió del tremendo soporte de su marido, en las letras y voz, y de su puro instinto para capturar la imaginación de una generación completa. Reconocida como una persona extremadamente tímida, curiosamente allí estaba su fuerza, de ahí nacía su sonido no elaborado, de la percusión constante de las notas, de golpearlas y golpearlas una y otra vez hasta sacar una resonancia llamativa y divertida, la que era el complemento perfecto, el otro 50% que necesitaba Jack para sacar afuera el poderío de White Stripes.

Así, sin saber nada de técnica, comenzó a hacerse un nombre en la escena rock underground de Detroit; en 1999 The White Stripes lanzó un auto- álbum debut con el sencillo “The Big Three Killed My Baby”, dejando atónita a la crítica.

Luego vino “De Stijl”, totalmente auto-grabado en cinta analógica de ocho pistas; el disco recibió  elogios universales, hasta convertirse en un clásico de culto, y elevando el perfil del guitarrista y la baterista, algo que a Meg no le gustó en lo absoluto. Para ella, el permanecer tras las sombras le permitía jugar con la batería sin ser analizada, haciendo volar su instinto sólo teniendo como parangón la línea de guitarra de Jack. Algo muy parecido se escuchó en “White Blood Cells”. Luego vino “Elephant” con el omnipresente  “Seven Nation Army”, con su batería simple y pegadiza, demostrándole a toda una generación que era posible aprender a tocar en casa, sin pretender llegar a la expertiz, e igualmente poder crear un tema icónico.

Con “Get Behind Me Satan” el sonido fue claramente diferente, más complejo, agregando piano de forma importante, mientras que “Icky Thump” fue la última muestra de su equilibrio y razonamiento melódico con platillos……platillos- bombo-platillos-bombo. Hasta Dave Grohl dijo en una entrevista a la Rolling Stone que “todos los grupos de punk-country-blues-metal deberían sonar así de bien”.

Una característica de Meg y que no hemos vuelto a ver en un baterista, es la capacidad de desarrollar ese nivel de comunicación no verbal y de sinergia mágica con el público, y obviamente con Jack White; aunque él acaparaba la atención, ella brillaba por allá atrás con su sonido totalmente displicente. Aunque muchas veces tuvo que enfrentarse al menosprecio de fans y críticos (en una demostración clara de desconocimiento del concepto de la banda), Meg demostró que su estrategia de silencio frente a los ataques acabaría acallando el ruido de las críticas; si no lo crees, escucha la letra de “Truth Doesn’t Make A Noise”.

Hoy, Meg White está totalmente desaparecida del mainstream (para felicidad de ella) y es una lástima tener que decir que ella decidió dejar de aportar en su relación con la batería, un instrumento que requiere fuerza, equilibrio, poder y total complemento con el resto de los instrumentos pues les sigue el ritmo y, en ocasiones, les da la entrada. Varias voces de la crítica han señalado que la batería ha perdido su personalidad y que Meg, al no ser técnicamente perfecta, se hacía fácilmente escuchable y disfrutable… ¿Un ejemplo? dale play a “Screwdriver” (puede ser en aquel concierto en Glastonbury) y podrás comprobar cómo esa batería te llevaba completamente arriba.

The White Stripes fueron una guitarra y una batería. Meg White fue la niña escondida tras el brillo de Jack, pero que supo mantenerse fiel a su estilo y ser reconocida como un valioso aporte a un estilo sin técnicas pero lleno de fuerza, siendo protagonista de toda una generación que aún la recuerda como una heroína del rock.